Stimmbildnerische Tätigkeit ist stets mit großer Verantwortung verbunden, da sie immer einen wesentlichen Eingriff in das komplexe physiologische und funktionale Zusammen­spiel der bei der Klangerzeugung beteiligten Organe darstellt. Gesangspädagoginnen und Gesangspädagogen üben dabei eine entscheidende und richtungsweisende Kontrollfunk­tion aus, die auf höchster fachlicher Kompetenz beruhen muss und der Studierende un­ein­geschränkt vertrauen können müssen. Intuitives Gespür für die stimmliche Konstitution von Studierenden ist gut, reicht aber meiner Meinung nach nicht aus. Dagegen ist auch detail­reiches Wissen um die physiologischen, funktionalen und akustischen Grundlagen der menschlichen Phonation alleine noch keine Garantie für eine erfolgreiche stimmbildneri­sche Tätigkeit, doch stellt es für Gesangspädagoginnen und Gesangspädagogen ein fach­liches Fundament dar, auf Basis dessen Fehlentwicklungen und Stimmschäden vorgebeugt und auf die individuellen stimmlichen Bedürfnisse der Studierenden im Rahmen eines sys­tematischen Stimmaufbaus eingegangen werden kann.

Grundlage und Lernziele

Die Grundlage des Gesangsunterrichts ist, wie ich meine, das Erlernen eines gesunden und ökonomischen Umgangs mit der Gesangs- und der Sprechstimme sowie der Erwerb der Fähigkeit, eine sichere sängerische Technik mit individuellem künstlerischen Ausdruck zu verbinden. Besondere Bedeutung kommt dabei auch dem Fördern künstlerischen Erle­bens und eines möglichst breiten musikalischen Ver­ständnisses zu. Absolventinnen und Absolventen der Studiengänge sollen schließlich in der Lage sein, auf höchstqualifiziertem künstlerischem Niveau zu musizieren.

Folgende Lernziele möchte ich dazu formulieren:

  • Das Entwickeln einer sicheren Gesangstechnik auf Basis der Prinzipien der Belcanto-Tradition sowie moderner stimmphysiologischer Erkenntnisse.
  • Die Sensibilisierung auditiver und kinästhetischer Selbstwahrnehmung und das be­wusste Erleben und Steuern funktioneller und physiologischer Abläufe beim Singen.
  • Das Beherrschen verschiedener Kunstformen und Genres des Gesangs sowie der Stilistik diverser musikalischer Epochen.
  • Das Erlernen eines künstlerisch vielfältigen stimmspezifischen Repertoires.
  • Das Entwickeln einer KünstlerInnenpersönlichkeit, fähig zur Reflexion über sich selbst und die Vokalkunst in ihrem künstlerischen und gesellschaftlichen Kontext sowie zu eigenständiger künstlerischer Ausdrucksfähigkeit.

Gesangstechnische Konzeption meines Unterrichts

Grundidee der stimmbildnerischen Konzeption meines Unterrichts ist das Ökonomisieren und Optimieren physiologischer und funktionaler Prozesse beim Singen. Aktuelle wissen­schaftliche Erkenntnisse aus den Bereichen Stimmphysiologie und Akustik als auch Psychologie, Pädagogik und Didaktik bilden dabei eine wichtige Grundlage für die Analyse und Optimierung von Lern- und Übungsprozessen. Im Sinne eines systematischen Stimm­aufbaus stehen die vier Funktionskreise: Haltung, Atmung, Phonation und Resonation/ Artikulation dazu im Fokus meiner stimmbildnerischen Arbeit. Eine stetige Wechselwirkung zwischen den einzelnen Funktionskreisen kann dabei voraus­gesetzt werden (resona­to­rische Veränderungen im Vokaltrakt haben etwa auch direkte Auswirkungen auf die Glottisfunktion und die Atem-Balance).

Die Körperhaltung

Schon Pier Francesco Tosi (Opinioni de’ cantori antichi, e moderni o sieno osservazioni sopra il canto figurato, Bologna 1723) und Giambattista Mancini (Pensieri e riflessioni prati­che sopra il canto figurato, Wien 1774) beschrieben im 18. Jahrhundert eine aufrechte, noble Haltung als Grundlage eines eleganten Gesangstons. Tatsächlich wird die Suche nach einer dynamischen Balance zwischen Spannung und Entspannung (Eutonus) – nicht nur beim Singen – ausschließlich bei entsprechend aufgerichteter (gestreckter) Wirbelsäule erfolgreich sein. Diese aufrechte Körperhaltung ist bei gleichzeitiger relativer Entspannung von Knöchel-, Knie- und Hüftgelenken sowie der Schultern und ganz besonders des Kiefergelenks Grundlage für entspanntes Atmen und in weiterer Folge für das Etablieren der Atem-Balance (Atem-Stimm-Kopplung, appoggio in petto) beim Singen. Ein zentrierter Körperschwerpunkt begünstigt dazu die Arbeit der Zwischenrippenmuskulatur und des Zwerchfells.

Eine durch jene aufrechte Haltung bewirkte Längs-Dehnung im Bereich des Nackens (Hals­wirbelsäule) führt unter anderem auch zu einer für die Stimmproduktion optimierten Positio­nierung des Kehlkopfes und begünstigt den Ausgleich zwischen Kehl­hebern und Kehl­senkern. So kann der, bei vielen jungen Sängerinnen und Sängern auftretenden kontra­produktiven Tendenz, bei steigender Tonhöhe den Nacken zu verkürzen, das Kinn nach vorne zu verschieben und den Kehlkopf steigen zu lassen (Verkleinerung des Ansatz­rohrs und der faukalen Weite) entgegengewirkt werden.

Die aufrechte Haltung soll keinesfalls als statisches Festhalten einer bestimmten Körper­einstellung sondern vielmehr als ein flexibler und dynamischer Vorgang verstanden werden.

Die Atmung

Zentrale Aufgabe der Atemtechnik beim Singen ist die feindifferenzierte Regelung und stän­dige Anpassung der subglottischen Luftdruckverhältnisse an die jeweiligen phonatorischen Erfordernisse (abhängig von Tonhöhe, Register und Dynamik) und damit das Herstellen der sogenannten Atem-Stimm-Kopplung (appoggio in petto, Stütze, breath management, support). Das feinmotorische Einstellen einer solchen Atem-Balance begünstigt vor allem auch die Kehltätigkeit und ist Voraussetzung für eine optimierte Atemstromrate (flow phonation).

Bezüglich der Atemtechnik beim Singen verwende ich persönlich im Gesangsunterricht fast ausschließlich den italienischen Terminus appoggio, da dieser Begriff in seiner ursprüngli­chen Bedeutung bereits die Gesamtheit der physiologischen und funktionalen Vorgänge zur Koordination zwischen Atmung, Klangerzeugung und Resonation (appoggio in petto, appoggio in testa) beinhaltet. In italienischen Gesangstraktaten aus dem 17. und 18. Jahr­hundert wurde das Atemmanagement beim Singen noch als „forza naturale del petto“ be­zeichnet. Gemeint war damit das dynamische und feinmotorische Dosieren der Atemluft bei der Klangproduktion. Die Technik des appoggio beschreibt durch das Beibehalten einer Einatmungstendenz (inhalare la voce) während der Exspiration (beim Singen) einen anta­gonistischen Balance-Akt zwischen der Ein- und Ausatmungsmuskulatur. Unter diesen Voraussetzungen hat sich die Costo-Abdominal-Atmung (Zwerchfell-Flanken-Atmung) als besonders günstig und ökonomisch für den Einsatz im Gesang bewährt.

Die Phonation

Das Kapitel der Phonation umfasst prinzipiell sämtliche Einstellungsmöglichkeiten der inneren und äußeren Kehlmuskulatur zum Bereitstellen der, für die Phonation unterschied­licher Grundtonfrequenzen entsprechenden Stimmlippenschwungmasse und des jewei­ligen Grades an Stimmlippenadduktion. Von besonderer Bedeutung zur Regulierung der Stimmlippenmasse und damit auch der Phonationsfrequenz ist das feindifferenzierte Zusammenspiel des M. cricothyroideus (CT) und des M. thyroarytaenoideus (TA).

Diverse gesangsphysiologische Studien belegen einen direkten Zusammenhang zwischen unterschiedlichen Stimmregistern und bestimmten, von der jeweiligen Masse abhängigen Schwingungsmustern der Stimmlippen. Das Ausbilden sowie der Ausgleich der Stimm­register stellt dazu eine der wichtigsten Aufgaben im Aufbauprozess einer Gesangsstimme dar. Als Ziel sollte eine in allen Lagen optimierte Atemstromrate (flow phonation) bei mög­lichst geringen subglottischen Luftdruckverhältnissen, tendenziell geringer Stimmlippen­masse und adäquater glottischer Adduktion (Aktivität der M. interarytaenoidei und M. cricoarytaenoideus lateralis) angestrebt werden.

Insbesondere soll aber auch das Entwickeln kinästhetischer Wahrnehmung unterschied­licher, von der jeweiligen Registereinstellung abhängiger Vibrationserscheinungen beim Singen im Gesangsunterricht unterstützt werden.

Die Resonation/Artikulation

Im Ansatzrohr wird der vom Kehlapparat erzeugte Primärschall in bedeutendem Maße modifiziert. Der Vokaltrakt wirkt dabei wie ein Filter, der bestimmte Frequenzen der Ober­tonreihe des Primärschalls verstärkt, andere wiederum dämpft. So werden Teil­töne, die im Frequenzbandbereich der, durch die Größe und Form des Ansatzrohrs (hohe oder tiefe Kehlkopfposition, viel oder wenig faukale Weite) und durch den jeweiligen Vokal (unter­schiedliche Frequenzbereiche des ersten und zweiten Formanten) bestimmten Formanten liegen, resonatorisch begünstigt.

Das feine Abstimmen der Vokalfarbe und damit das Verändern der Frequenzen der beiden tiefsten Formanten (F1 und F2), um sie mit den Frequenzbereichen einzelner Teil­töne der Obertonreihe zur Überlagerung zu bringen, führt automatisch zu einer Steigerung des Schalldruckpegels und damit zur Verbesserung der stimmlichen Tragfähigkeit (formant-tuning). Typisch ist etwa die Strategie der Verstärkung des 2. Formanten durch den zweiten, dritten oder vierten Teilton (abhängig von der Grundtonfrequenz) bei Männerstimmen und jene der Überlagerung des 1. Formanten mit dem Grundton bei Frauen, die im Kopfregister (whoop timbre) singen.

Diese Vorgänge (vowl modification) sind auch Grundlage des Vokalausgleichs. Ziel ist dabei ein Angleichen des Klanggepräges heller und dunkler Vokale in unterschiedlichen Registern und Tonlagen. Gemäß dem Ideal des Belcanto sollte dabei jeder Vokal zugleich über helle und dunkle Klangeigenschaften verfügen (chiaroscuro). So wird auch die regis­ter­determinierende Tendenz der Vokale (z.B.: „A“ tendiert zum Modal/Brustregister, „U“ zum Kopfregister/Falsett) relativiert und der Registerausgleich erleichtert. Erreicht wird dies vor allem durch das Etablieren einer gleichmäßigen Resonanzweite (faukale Weite, open throat, gola aperta) im Ansatzrohr. Diese geht dabei typischerweise auch mit einer lockeren und flexiblen Tiefstellung des Kehlapparats einher und führt dazu durch die Aktivierung des CT zu einer moderaten Reduktion der Stimmlippenschwungmasse. Töne in hohen Lagen können auf diese Weise wesentlich leichter, mit geringerer Druckentfaltung und aus diesem Grund deutlich ökonomischer hervorgebracht werden. Resonatorische Einstellungen stehen somit in direkter Wechselwirkung mit den Spannmechanismen im Kehlapparat und haben so auch Einfluß auf die Stimmregistrierung. Etwas vereinfacht kann abgeleitet werden, dass durch die faukale Weite eine Nasenrachenraum-dominante Resonanz­entwicklung etabliert wird, es bei Fehlen der faukalen Weite jedoch zu einer Mundraum-dominanten Resonanz­entwicklung kommt. Nur erstere schafft gute Voraussetzungen für das Gelingen von Vokal- und Registerausgleich. Die faukale Weite kann somit als resona­torische und artikulatori­sche Grundeinstellung im klassischen westlichen Kunstgesang angesehen werden.

Besondere Aufmerksamkeit im Aufbau der Gesangsstimme sollte vor allem auch den kinäs­thetisch spürbaren Resonanzerscheinungen in verschiedenen Körperregionen geschenkt werden, da diese für Sängerinnen und Sänger eine wichtige Orientierung und einen Kontrollmechanismus bezüglich der Resonanzentfaltung beim Singen darstellen. Vor allem intensive, durch kräftige hochfrequente Teiltöne ausgelöste Vibrationsempfindungen im Bereich des Kopfes (appoggio in testa, Stimmsitz, Stimmansatz) führen oft schon zu einer deutlichen Ökonomisierung der Klangproduktion. Der Gesangston entfaltet damit bereits genü­gend resonatorische Kraft und die Sängerin, bzw. der Sänger verspürt kein Bedürfnis, Kompensationsmechanismen (mehr Atem- und Stimmdruck) einzuleiten. Ein optimales Verhältnis zwischen Resonanz und Impedanz (Widerstand, semi-occluded vocal tract configuration: schmal und vertikal im Bereich der Lippen, Weite im Bereich des Rachens und Schlundes) ist dabei zu entwickeln.

Bestimmte resonatorische Phänomene haben zudem auch Auswirkungen auf die Register-Wahrnehmung beim Singen und können helfen, spezifische Probleme der Stimm­registrie­rung zu verbessern. Auch die wahrnehmbaren resonatorischen Veränderungen im Bereich des Passaggios bei Männerstimmen (girare, decken, cover) sind u.a. auf solche Phäno­mene zurückzuführen. So stellt sich bei steigender Phonationsfrequenz und gleich­bleibender Einstellung des Ansatzrohres automatisch eine Veränderung des Stimmtimbres ein, sobald der zweite Teilton (H2) den Frequenzbereich des ersten Formanten (F1) passiert hat. Aber auch bei Frauenstimmen ist eine Veränderung des Stimmtimbres be­merkbar, sobald im Kopfregister der erste Formant (F1) mit dem Grundton (H1) in Abstim­mung gebracht wird (whoop timbre) und bei steigender Tonhöhe ebenfalls ent­sprechend erhöht wird (formant 1 tracking).

Ein Qualitätsmerkmal der ausgebildeten Sängerstimme ist das Vorhandensein des soge­nannten Sängerformant-Clusters und die Entwicklung dieses akustischen Phänomens stellt eine wichtige Herausforderung in der Gesangsausbildung dar. Durch eine Annäherung der Formanten F3, F4 und F5 im Bereich zwischen ca. 2,5 KHz und 3,5 KHz kommt es zu einer deutlichen Verstärkung des Stimmschalldruckpegels. Der Klang gewinnt dabei – ohne weitere Druckentfaltung seitens der Atmung oder phonatorischer Mechanismen – an Bril­lanz, Intensität, metallischer Kraft und Tragfähigkeit. Das Bilden eines sogenannten aryepiglottic sphincters (Annäherung der Epiglottis und der Stellknorpel) bei gleichzeitiger tiefer Positionierung des Kehlkopfes und faukaler Weite begünstigt das Entwickeln des Sängerformant-Clusters. Die mit dem Auftreten des Sängerformant-Clusters einher­gehenden Vibrationsempfindungen in den oberen und vorderen Bereichen des Kopfes werden oft auch als „in die Maske singen“ beschrieben.

Einen wichtigen Teil des Themenkomplexes der Resonation und Artikulation stellt auch die Vokal- und Konsonantenbildung dar. Unter Berücksichtigung der resonatorischen Erforder­nisse (Vokalausgleich) soll die korrekte Artikulation diverser Vokale und Konsonanten (Form des Vokaltrakts, Zungenpositionen) im Kunstgesang erlernt werden.

Eine für ausgebildete Stimmen typische Erscheinung ist das Sängervibrato. Sein Ent­stehen ist wissenschaftlich bislang noch nicht völlig geklärt doch stützen aktuelle Erkennt­nisse die Vermutung, dass das Schwingungsverhalten des Zwerchfells, des Kehlapparats sowie der Glottis maßgeblich mit dem Auftreten des Vibratos in Zusammenhang steht. Belegt ist auch, dass die Entwicklung und Kultivierung des Sängervibratos (eine Oszillati­onsrate von 5,5 bis 7,5 Schwingungen pro Sekunde wird im klassischen Gesang westlicher Prägung als Ideal angesehen) mit einer Optimierung von Atemtechnik, Klangerzeugung und Resonanz­entwicklung einhergeht.

Repertoire und Stilistik

Wichtige Aufgabe in der Gesangsausbildung ist auch das Erarbeiten eines möglichst viel­fältigen, stimmspezifischen Repertoires. Dieses sollte sämtliche klassische Kunstformen: Lied, Oratorium und Oper/Operette aus möglichst allen musikalischen Epochen von der Renaissance bis zur Moderne beinhalten. Aber auch die Beschäftigung mit Werken aus der CCM (contemporary commercial music, Musical, Jazz, Pop, Soul, Rock) und die Auseinan­dersetzung mit den gesangstechnischen Grundlagen dieser Genres (und der Unterschiede zum klassischen Gesang) sehe ich heutzutage als Notwendigkeit an. Berücksichtigt soll dabei auch stets die jeweilige Stilistik werden. Beispielsweise das Konzept der Affektenlehre sowie der Verzierungskunst im Barock (wesentliche Manieren und willkürliche Veränderungen, Kadenzen), die Gestaltung von Secco-Rezitativen oder auch für die Zeit des Verismo typische Phrasierungsarten mit ausladenden Rubati und Portamenti. Auch ein Überblick über die Geschichte der Gesangskunst und historische Klangideale soll im Sinne einer Offenheit gegenüber historisierender (historisch infor­mierter) Aufführungspraxis in der Gesangsausbildung vermittelt werden.

Entwickeln einer SängerInnen/KünstlerInnenpersönlichkeit

Kunstgesang ist stets Ausdruck einer künstlerischen und intellektuellen Reflexion von Texten, menschlichen Emotionen und Befindlichkeiten. Techniken zur vokalen Umsetzung künstlerisch-emotionaler Ausdrucksinhalte sollen dazu im Unterricht erarbeitet werden. Eine wichtige Grundlage für das Entwickeln von persönlichem Ausdruck und Stilempfinden und in weiterer Folge für das eigene künstlerische Tun ist aber auch die Auseinander­setzung mit Literatur und musikalischen Strukturen. Eine wesentliche Aufgabe der Gesangspädagogin, bzw. des Gesangspädagogen sehe ich dazu auch im Anregen und Fördern von Individualität und Kreativität, damit Studierende schließlich in der Lage sind, eigene künstlerische Konzepte zu entwickeln und zu realisieren.

Neben künstlerischer Sensibilität soll im Gesangsunterricht aber auch die Wichtigkeit von Fleiß und Disziplin thematisiert und die Entwicklung physischer und psychischer Stabilität sowie sozialer Kompetenzen unterstützt werden.

Methodische Konzeption des systematischen Stimmaufbaus

Grundlage meines pädagogischen und methodischen Ansatzes in der Gesangsausbildung ist immer die sängerische Anamnese. Untersuchungsinstrumentarium ist dabei in erste Linie das funkti­onelle Hören, welches ich für die gesangspädagogische Arbeit als unverzichtbar erachte. Das funktionelle Hören ermöglicht es, äußerlich nicht erkennbare innerliche physiologische Vorgänge nachzuvollziehen und funktionale Probleme zu identifizieren. Der Identifikation des Problems folgen die Analyse und schließlich das Entwickeln einer individuellen syste­matischen Strategie bzw. Übung zur Lösung. Meine stimmbildnerische Arbeit ist also immer auf einem stimmphysiologisch orientierten Ansatz begründet.

Folgende Vorgehensweisen wende ich dabei an:

  • Stimmphysiologische Erklärungen
    Gemäß meiner Erfahrungen hat es sich bewährt, die Studierenden stets über die physiologischen und funktionalen Ziele bestimmter Gesangsübungen aufzuklären und diese immer bezüglich klangästhetischer und stimmgesundheitlicher Erforder­nisse zu kontextualisieren. Die Fähigkeit, komplexe physiologische Vorgänge in ein­fache und verständliche Erklärungen zu übertragen, ist dabei für Gesangspäda­goginnen und Gesangspädagogen von größter Bedeutung. Auch Anschauungs­material wie etwa Anatomische Abbildungen können einen hilfreichen Beitrag leisten, das Vorstellungsvermögen stimmfunktionaler Abläufe sowie die Fähigkeit zu differenzierter, kinästhetischer Wahrnehmung beim Singen zu entwickeln und zu ver­bessern. Ergänzend können aber auch moderne computergestützte Analyse­verfahren der Veranschaulichung bestimmter physiologischer oder akustischer Zusammenhänge dienlich sein: so etwa die Software Madde (Stimm-Synthesizer, entwickelt von Svante Granqvist, KTH Stockholm), mittels der sehr einfach und ver­ständlich das Zusammenwirken der Obertonreihe des Primärschalls und der Formanten des Vokaltrakts gezeigt und hörbar gemacht werden kann. Auch das VoceVista System (Analysesoftware und portabler Elektroglottograph, entwickelt von Don Miller), mit dem ich durch die Forschungstätigkeit im Rahmen meines Doktoratsprojekts bestens vertraut bin, kann im Gesangsunterricht ergänzend als unkompliziert nutzbares Feedback-Instrumentarium eingesetzt werden
  • Imagination und Metaphorik
    So wichtig meiner Meinung auch das Wissen über die physiologischen und funktio­nalen Zusammenhänge beim Singen ist, so bedeutend ist auch das Einbeziehen von Intuition, Metaphorik und bildhafter Vorstellungskraft für stimmbildnerische Entwicklungsprozesse. Schließlich handelt es sich bei den meisten körperlichen Vorgängen zur Klangerzeugung um innere, von außen nicht sichtbare und schein­bar nicht direkt zugängliche Prozesse. Einfache Vorstellungen, die zuweilen auch gesangspädagogische Fiktion sein können (in diesem Fall weise ich allerdings explizit darauf hin), führen oftmals sehr direkt zu spezifischen physiologischen und funktionalen Veränderungen, die zur Ökonomisierung des Phonationsprozesses oder zur klangästhetischen Verbesserung beitragen. Meine persönlichen Erfah­rungen dazu haben gezeigt, dass diese körperlichen Vorgänge über die Imagina­tionsebene für die Studierenden meist sehr schnell und nachhaltig zugänglich werden. Beispiele hierfür sind u.a. das bekannte Staunen, um etwa die faukale Weite im Ansatzrohr einzurichten, die Vorstellung des kontinuierlichen Befüllens eines Heißluftballons, um die Expansion des Brustkorbs beim Singen und damit die Einatmungstendenz aufrecht zu erhalten oder aber auch die Vorstellung einer Verschlankung und Vertikalisierung der Stimme bei steigender Tonhöhe, was automatisch eine Reduktion der Stimmlippenschwungmasse zur Folge hat.
  • Bewegung
    Spezifische Bewegungen haben sich als besonders effizientes Instrumentarium erwiesen, um physiologische aber auch psychologische Blockaden im Gesangs­unterricht abzubauen. Beispiele dazu sind das Lösen von Verkrampfungen der Atmungsmuskulatur und damit das Verändern der Atemstromrate beim Singen – etwa durch kontinuierliche dynamische Drehbewegungen (um die eigene Achse), durch nach rechts und links wippende Beckenbewegungen (Twist – führt zur Ent­krampfung der inneren Zwischenrippenmuskulatur) oder das vorgestellte Balancieren auf einer Slackline. Studierenden mit allgemein zu geringem musku­lärem Grund-Tonus und einer Tendenz zur hypofunktionalen Phonation verhelfen Bewegungen oftmals zu einer deutlichen Verbesserung der Atem-Stimm-Kopplung und der glottischen Adduktion und so zu einem ästhetisch ansprechenden, tragfä­higen und obertonreichen Gesangston. Dazu können Bewegungen auch gut zur Darstellung und Umsetzung musikalischer Phrasierungen genutzt werden. Gerne verwende ich dazu im Unterricht auch Hilfsmittel wie Therabänder, Franklin-Bälle, Balance-Boards, Lax Vox, etc.
  • Emotionen
    Einer der wichtigsten Leitsprüche in der Gesangspädagogik der altitalienischen Schule im 18. Jahrhundert war: „canta come si parla“ (sing, so wie du sprichst). Man meinte damit, dass jede künstlerische, durch den Gesang vermittelte Aussage mindestens den gleichen emotionalen Gestus und die gleiche körperliche Energie erfordere wie die gleiche gesprochene Aussage im täglichen Leben. Bestimmte Gefühlszustände lösen automatisch unterbewusste körperliche, musku­läre Reaktionen aus, die so einen bedeutenden Einfluß auf phonatorische Prozesse haben und im Gesangsunterricht nutzbar gemacht werden können. Ein „freudiges Erschrecken“ etwa eignet sich sehr gut, um gleichzeitig die Atem-Balance und die Resonanzweite einzurichten. Dazu werden die Stimmlippen geschlossen und die glottische Adduktionstendenz spürbar. Einen ähnlichen Effekt hat auch das Gefühl der Vorfreude auf ein glückliches Ereignis. Das Wahrnehmen von Auswirkungen emotionaler Zustände auf physiologische Vorgänge beim Singen – im Sinne des Entwickelns eines emotionalen Körpergedächtnisses – sowie die Fähigkeit, dieses emotionale Körpergedächtnis sowohl technisch als auch künstlerisch für den Gesangsvortrag zu nutzen, stellt ein wichtiges Handwerkszeug für Sängerinnen und Sänger dar. Emotionen wie z.B. Freude, Staunen, Überraschung, Neugierde aber auch Trauer und Schmerz, etc. eignen sich dazu hervorragend.
  • Vokale und Konsonanten
    Die unterschiedlichen Charakteristika diverser Vokale und Konsonante, bzw. Silben und Silbenkombinationen lassen sich vorzüglich zum Lösen bestimmter stimmfunk­tionaler Probleme nutzen. So kann aufgrund der register­determinierenden Wirkung durch Vokalisen auf dunkeln Vokalen wie O und U oder Vokalkombinationen wie z.B. UOU-UOU-UOU eine hyperfunktionale Phonation, durch Übungen auf A oder JA (IA) eine hypofunktionale Phonation ausgeglichen werden. Der Effekt kann bei letzterer durch eine Ausführung im Staccato, bei ersterer im Legato verstärkt werden. Beispielsweise kann aber auch ein durch Ver­krampfung des Zungen­grunds verursachtes „Knödeln“ durch eine Übung auf den Silben LIU-LIA korrigiert werden, da die Zunge dabei stetig in Bewegung bleibt. Auf­grund eines hohen zweiten Formanten helfen die Vokale E und I beim Aufbau einer resonanzreichen Mittel- und Tieflage. Zur Etablierung der Nasenrachenraum-Resonanz eignen sich etwa insbesondere klingende Konsonanten wie N, M oder NG, bzw. Silben wie MNIONG, MIOM, MNJAM oder JONG.
  • Imitation
    Hören Sängerinnen und Sänger eine Gesangsstimme, kommt es bei ihnen meist schon zu einem unwillkürlichen inneren Nachvollzug phonatorischer Prozesse. Die bei der Klangerzeugung beteiligten Organe reagieren dabei automatisch auf das Gehörte. Nicht zuletzt stellt darum auch die Nachahmung einen intuitiven und oft­mals zielführenden Ansatz in der Stimmbildung dar; so etwa das stimmliche Demonstrieren von, für die ökonomische und gesunde Klangerzeugung notwen­digen Timbre-Veränderungen diverser Vokale in unterschiedlichen Lagen. Auch das Gegenüberstellen richtiger und falscher sängerischer Strategien trägt meiner Erfah­rung nach zu einem besseren Verstehen der Problematik bei Studierenden bei. Schließlich können auch künstlerische interpretatorische Ideen, z.B. betreffend die Phrasierung oder die Art und Weise einer gewollten Hervorhebung einer Silbe oder eines Wortes (Verlängerung des Vokals, dynamische Verstärkung, Verstärkung des Start-Konsonanten, Verzögerung der Silbe, etc.) durch die Imitation der Lehrerin, bzw. des Lehrers verständlich und nachvollziehbar gemacht werden. Besondere Achtsamkeit der Gesangspädagoginnen und Gesangspädagogen ist aber darauf zu richten, dass vorgesungene Beispiele stets nur als Modell für die Klangbildung oder Phrasierung verstanden werden und Studierende nicht versuchen sollen, das individuelle Stimmtimbre der Lehrerin, bzw. des Lehrers zu kopieren.
  • Zusammenfassend möchte ich erklären, dass mein methodischer stimmbildnerischer Ansatz daraufhin abzielt, über unterschiedliche Reize wie Vorstellungen, Bewegungen, Emotionen oder Imitation auditives und kinästhetisches Wahrnehmungsvermögen bei den Studierenden zu entwickeln und zu stärken. Diese Kompetenzen sollen schließlich, vernetzt mit künstlerischer Intuition sowie Kenntnissen über die physiologischen und funktionalen Prozesse der Klangerzeugung, zu einem bewussten und sicheren Umgang mit dem Instrument Stimme führen.